A banda Bon Jovi, liderada pelo aniversariante da semana, marcou a história de milhares de pessoas ao redor do mundo. Um dos grupos de maior expressividade desde a década de 1980 lançou diversos álbuns – e videoclipes! -, separou, juntou, mudou de estilo, mas sempre fez hits populares que se consagraram no gosto popular.

Marcelo Mendonça (marcelo@clipestesia.com.br)

Jon Bongiovi – na certidão de nascimento é assim – já era um aspirante ao estrelato e, por isso, atirava para todos os lados. Participou de diversas bandas, trabalhou em um estúdio de música e até gravou uma versão de We Wish You a Merry Christmas.

Em 1983, após algumas tentativas de Jon, a banda Bon Jovi entrou em atividade. Runaway, o primeiro single, foi composto originalmente em 1980, mas lançado apenas em 1983. O clipe, no entanto, esperou mais um ano para sair. O primeiro clipe da banda apresenta cabelos compridos, caras de mau, e muita, muita fumaça e gelo seco. A produção já era boa, mas só tendia a melhorar com os próximos videoclipes.

A postura sedutora de Jon começa a aparecer no clipe seguinte. Em She Don’t Know Me, o cantor aparece sem camisa e apaixonado por uma modelo, em meio à letra romântica da faixa.

O sucesso estrondoso, no entanto, veio apenas dois álbuns depois. Lançado em 1986, o disco “Slippery When Wet”, escrito quase todo em parceria do renomado compositor Desmond Child. Entre as faixas, dois clássicos mundiais: You Give Love A Bad Name e Living On A Prayer, alguns de seus maiores sucessos até hoje.

Logo depois, o vocalista, que dava nome a banda, seguiu em carreira solo enquanto os outros integrantes viviam seus projetos paralelos. O clipe de Blaze of Glory, mesmo título do disco, apresentava Jon em uma faixa mais lenta e melódica, mas a mesma postura cabeluda e galante dos trabalhos em grupo.

A faixa atingiu o sucesso, ficando em primeiro lugar na Billboard, influenciando também o trabalho que viria posteriormente com toda a banda Bon Jovi. Em 1994, já consagrados, os caras da banda foram convidados a compôr parte da trilha sonora de “O Sangue de Romeu”. A faixa Always, que mais marcou o filme, continha bastante do que Jon apresentou em sua carreira solo.

Mesmo com o sucesso, os integrantes dedicavam-se a projetos paralelos. Com o aniversariante, não era diferente. Jon Bon Jovi lançou seu segundo disco solo em 1997, intitulado “Destination Anywhere”. Assumindo um trabalho maduro e um novo corte de cabelo, o vocalista atingiu boas vendagens no novo voo sozinho, mas não obteve o mesmo êxito da primeira tentativa.

Três anos depois, a banda voltava com tudo, emplacando singles que até hoje são lembrados e celebrados. O disco “Crush” continha a canção It’s My Life, celebrada ainda hoje, mais de dez anos após seu lançamento. É notável a maturidade agregada ao glam rock característico da banda. Já com mais idade, a personalidade dos músicos – e das músicas! – se manteve intacta, arrastando ainda novos fãs.

“Bounce”, o trabalho seguinte, também aumentou a lista de sucessos da banda. No Brasil, a música Misunderstood foi bem executada, principalmente por conta da novela “Mulheres Apaixonadas”. É interessante notar como nos principais clipes deste álbum e do anterior, a banda é apenas interlocutora da narrativa. O papel de protagonista vai para algum outro ator, que não toca no grupo.

Mesmo com o bom desempenho do álbum que sucedeu – “Have a Nice Day”, 2005 -, a banda apostou em novas fórmulas e gravou canções que misturavam o rock característico com o country. O disco “Lost Highway”, de 2007, por exemplo, foi gravado em Nashville – conhecido como o berço do country. No trabalho, fazem parceria com LeAan Rhymes, um dos principais nomes da música country norte-americana. Era uma mudança de estilo, natural de uma banda com mais de vinte anos de estrada.

Jon Bon Jovi é, sem dúvidas, um dos grandes nomes da história do videoclipe. Sua imagem foi reconstruída através de cada projeto audiovisual, aprendendo a contar novas histórias, mostrar novas músicas e novas personalidades, sem perder suas principais características. É a força de quem tem 50 anos de idade e quase 30 de videoclipes.

Há quatorze anos o Brasil conheceu uma banda debochada e diferente. Com o sucesso meteórico, os Mamonas Assassinas marcaram a história de uma década. Pena que eles se foram tão cedo e de maneira tão dramática.

Vanessa Mello (vanessa@clipestesia.com.br)

Não é exagero dizer que quem viveu os anos 90 conhece e sabe cantar alguma música dos Mamonas Assassinas. Os rapazes irreverentes sacudiram o cenário musical do país principalmente em 1995. Mas, a história dessa banda de sucesso repentino começou no finalzinho da década anterior.

Sérgio Rioli foi apresentado por um colega de trabalho a Bento. Sérgio era baterista e Bento tocava guitarra. A partir do encontro, os dois decidiram montar uma banda. Coisa de garoto. Samuel Rioli, irmão de Sérgio passou a se interessar por música e começou a tocar baixo.

Juntos criariam a banda de rock Utopia. O grupo fazia covers de Legião Urbana, Titãs e Rush. Em um show, o público pediu que eles tocassem uma música dos Guns ‘N’ Roses, mas como nenhum dos integrantes sabia a letra resolveram chamar alguém da plateia. É aí que Dinho entra na história.

Dinho se apresentou de forma escrachada, fazendo o público cair na risada. O seu jeito chamou a atenção dos outros rapazes que decidiram tirar o espectador da plateia e trazê-lo para os palcos. Mas, a banda ainda estava completa. Faltava um tecladista. Então Júlio Rasec entrou pro grupo por intermédio de Dinho que virou o vocalista.

Com a banda completa os meninos começaram a tocar na periferia de São Paulo. Lançaram um disco que foi um fracasso. Um tempo depois, perceberam que as palhaçadas que faziam nos shows chamavam mais atenção do que os covers. Essa foi a sacada!

Numa apresentação em Guarulhos conheceram o produtor Rick Bonadio. Mudaram o perfil e o nome da banda. Gravaram uma fita demo com três músicas: Pelados em Santos, Robocop Gay e Jumento Celestino e enviaram para EMI e Sony.

Os Mamonas Assassinas fecharam o seu primeiro e único contrato com a EMI no dia 28 de abril de 1995. Depois da gravação do disco a banda saiu em turnê. E que turnê! Os garotos tocavam cerca de oito vezes por semana e faziam, em média, dois shows por noite.

Foi um sucesso absoluto que chamou a atenção da mídia e de todo público brasileiro.  Os Mamonas Assassinas estavam em todos os programas de grande audiência da televisão. O sucesso era tanto que a gravadora EMI faturou mais de R$ 800 milhões com eles.

O disco “Mamonas Assassinas” vendia 50 mil cópias por dia. A canção de maior sucesso do álbum foi Pelados em Santos. A única que ganhou um clipe. Vai dizer que você não lembra?

O vídeo é bem humorado e faz brincadeiras o tempo todo. Os Mamonas aparecem com a brasília amarela. O carro é quase uma espécie de personagem do clipe. Está em quase todos as sequências. O cenário inicial é fake, montado. São utilizados muitos recursos que quebram com a seriedade. Coisa que os garotos de Santos não queriam de maneira nenhuma.

Basta olhar o looks que eles utilizaram. Bem irreverentes e até um pouco brega. Eles brincam e misturam tudo. Tem desde o típico visual mexicano a roupa vermelha do Chapolin.

O clipe de Pelados em Santos deixa bem claro a imagem de um grupo divertido e irreverente. Até então não tinha se visto nada parecido no cenário musical brasileiro. Dinho, o vocalista, além de fazer palhaçadas conquistava o coração das meninas da época.

Infelizmente, o sucesso dos Mamonas Assassinas durou muito pouco. No dia 2 de março de 1996, o grupo sofreu um acidente a bordo de um Learjet. Eles tinham acabado de se apresentar em Brasília. O avião chocou-se contra a Serra da Cantareira, em São Paulo, matando todos que estavam dentro da aeronave.

Aconteceu uma grande comoção pública. Os fãs, muito tristes, compareceram ao enterro que ocorreu dois dias depois do acidente. Ninguém esperava que fosse acontecer uma tragédia com a banda. Os Mamonas iam viajar para a Europa a fim de iniciar a carreira internacional.

Apesar da morte repentina, a banda não foi esquecida. Em maio deste ano, a MTV e a Record fecharam um acordo para produzir um documentário que narra a curta trajetória do grupo.

Repentino ou não. O fato é que os Mamonas Assassinas marcaram a história da música brasileira com um jeito diferente de se apresentar e representar.

No dia 08 de fevereiro de 2012, o Brasil se despediu de um dos grandes ícones da música muito popular brasileira. Wando, o cantor que arrastou multidões com suas canções extremamente românticas, deixou saudades após quase 40 anos de carreira, com direito a 30 discos lançados, diversos videoclipes e milhares de calcinhas autografadas.

Marcelo Mendonça (marcelo@clipestesia.com.br)

Em 1973, o então sambista Wando lançou seu primeiro disco. “Glória a Deus e Samba na Terra” rendeu sucessos momentâneos, mas nada que fosse eternizado, como alguns dos clássicos posteriores, que marcaram sua carreira verdadeiramente. Ainda começando em sua carreira profissional, lançou o segundo disco, já voltado ao romantismo. O trabalho não rendeu clássicos como os que vieram nos trabalhos seguintes, como Gosto da Maçã e a imortal Fogo e Paixão.

No entanto, o tempo de maior sucesso de Wando ainda é uma época em que videoclipes não existiam como hoje, ou seja, poucos trabalhos ganhavam divulgação audiovisual. As apresentações na televisão ocupavam o lugar da divulgação do som com imagem. O Globo de Ouro, um dos principais programas musicais da época, tornou-se vitrine para apresentar sucessos como Moça, entoado em coro pelo público.

O sucesso teve continuação com o hit Coração Bandido, apresentado no dominical “Fantástico”, onde ganhou um videoclipe especial. Enquanto o cantor interpretava a nova faixa, o público emendava em Moça, um de seus maiores sucessos, fazendo como num jogral.

O tempo no qual seu grande sucesso se concentrou, fez com que canções imortalizadas ganhassem vídeos posteriormente. Quase nada foi pensado como videoclipe logo na época do lançamento.  Faixas importantes ganharam vídeos – quase todos em formato ao vivo – depois de certo tempo. É o caso de Gosto da Maçã e a mais famosa: Fogo e Paixão - aquela do meu iaiá meu ioiô.

O Brasil se despede do ícone da música nacional, sem esquecer o grande legado popular e cada história de amor que já foi marcada por seu talento.

Afaste os móveis e se prepare para dançar ao som de algumas das melhores parcerias musicas da atualidade! Clipestesia comemora o aniversário de David Guetta e mostra algumas das melhores parcerias já feitas pelo DJ e produtor francês

Caroline Pessanha (caroline@clipestesia.com.br)

David Guetta não foi eleito o 2º melhor DJ do mundo a toa. Ele já vendou mais de três milhões de álbuns e 15 milhões de singles em todo mundo, sendo um dos produtores mais procurados no meio musical. O artista irá apagar as velinhas no dia 7 de novembro. Para comemorar a data e dar uma animada, reunimos algumas das melhores e mais dançantes parcerias de um dos Djs mais famosos atualmente. O mundo conheceu o talento de David em 2005 quando foi lançado o hit The Word is Mine. A faixa liderou as paradas de sucesso da Europa e dos EUA e em pouco tempo já estava espalhada pelo mundo agitando as pistas das melhores casas noturnas.

 De lá pra cá foram muitas as parcerias. Artistas renomados emprestaram suas vozes para as montagens musicais do DJ. Em 2006, por exemplo, mais um hit de sucesso, desta vez em parceria com The Egg, o DJ francês mais uma vez balançou as pistas do mundo.

Em 2007, David lançou seu terceiro álbum Pop Life. O álbum ficou entre os mais vendidos na Europa e a faixa Love is Gone, em parceria com Chris Willis, ficou em primeiro lugar na lista da American Dance Chart e na lista da Billbord Hot 100. O clipe começa com uma briga de um casal. A moça vai para o trabalho e passa o dia pensando na briga e sofrendo pelo que havia acontecido entre ela e o namorado. No meio do clipe, a mulher decide que vai esquecer o acontecido e começa a curtir a música juntos com os clientes do bar. No final ela se rebela e acerta uma torta na cara do chefe.

Em 2009, em parceria com Kelly Rowland, David lançou mais um sucesso que ficou nos primeiros lugares das paradas de sucesso por todo mundo: When Love Takes Over. A música, juntamente com o álbum One Love, foi lançada inicialmente no iTunes. O clipe tem muitas cores, lindas paisagens e uma fotografia incrível.

No mesmo ano, mais uma parceria incrível! Desta vez com um dos rappers mais queridinhos do momento Akon. A faixa Sexy Bitch é um sucesso e ficou em segundo lugar nas paradas do Reino Unido. O clipe mostra uma típica festa na piscina. Além de animado, o clipe é muito sensual e cheio de mulheres molhadas e com pouca roupa, o que gerou protestos em alguns paises budistas, pois no clipe, estas mulheres dançam em volta de uma imagens do buda. No Sri Lank, cerca de 200 pessoas protestaram jogando pedras no prédio da Organização Maharaja, que está patrocinando o evento.

Deste mesmo álbum vieram sucessos como One Love, com Estelle. O clipe mostra a dupla fazendo todo mundo dançar!

Em parceria com Kid Cudi, Guetta lançou o clipe de Memories. Nele, o Dj aparece tocando na rua, enquanto Kid anda e canta pelas ruas.

Em 2010, repetindo a parceria com Chris Willis e se juntando a Fergie e LMFAO, lançam mais um sucesso: Gettin Over You. O clipe começa com Guetta, Fergie, Chris e LMFAO produzindo a música em um estúdio, quando o mesmo começa a ser invadido por uma multidão de fãs. A gravação vira uma festa e o grupo é forçado a ir pra rua. Mas David não deixa seu equipamento, nem a animação e continua tocando e fazendo a festa da multidão.

Em 2010 Guetta fez parceria mais uma parceria, dessa vez com Rihanna na faixa Who’s That Chick?. O vídeo ganhou duas versões: dia e noite. Uma delas foi usada para promover um evento musical o Doritos Late Night. Aversão day, mostra Rihanna com roupas coloridas, já a versão noite tem uma pegada gótica, mas não menos animada!

Guetta também produziu o hit I Gotta Feeling do The Black Eyed Peas. A faixa se tornou hit mundial e ficou no topo das paradas de sucesso em dezessete países. Também foi a música mais baixada de todos os tempos nos EUA, com quase 7,5 milhões de downloads e no Reino Unido vendendo mais de 1 milhão de cópias, além de ganhar o Grammy na categoria de gravação do Ano e Melhor Performance Pop e também ganhou o prêmio de música do ano no WMA. I Gotta Feeling ficou durante 14 semanas em primeiro lugar na Billboard Hot 100, tornando-se a música de maior permanência consecutiva dos anos 2000.

Mais algumas parcerias:

Commander: Kelly Rowland ft. David Guetta

Club Can’t Handle Me: Flo Rida ft. David Guetta

Where Them Girls At: David Guetta ft. Nicki Minaj, Flo Rida

Little Bad Girl: David Guetta ft. Taio Cruz, Ludacris

O cantor Wilson Simonal acrescentou muito ao cenário musical brasileiro, pois além de cantar de forma inovadora para época, criou um novo estilo musical: a pilantragem! Para prestigiar um artista tão importante o escritor Gustavo Alonso, em parceria com a Editora Record, lançam o livro “Quem não tem swing morre com a boca cheia de formiga”. Clipestesia faz entrevista exclusiva com o autor e ainda sorteia dois exemplares do livro pra você. Confira a entrevista e a promoção!

Vanessa da Rocha (vanessa@clipestesia.com.br)

O cantor Wilson Simonal alcançou o auge em sua carreira entre as décadas de 1960 e 1970. Entre suas músicas de maior sucesso estão  País tropical, Mamãe 

passou açúcar em mim, Meu limão, meu limoeiro e Sá Marina. Além disso, foi considerado um showman ao apresentar um programa de TV de grande sucesso chamado “Show em Si… monal”. Depois foi acusado de colaborar com a Ditadura Militar, ficou conhecido como dedo duro, caindo no ostracismo e tornando-se depressivo e alcoólatra, o que viria a causar sua morte por cirrose hepática.

O livro do historiador fluminense Gustavo Alonso aborda exatamente as questões como o envolvimento do cantor com a Ditadura Militar, questionando a resistência de uma esquerda quase tão totalitária quando a direita que abominavam. Além disso, mostra que o cantor foi julgado por pregar em sua música uma alegria inaceitável para a época.

Para nos contar um pouco mais sobre o livro o autor Gustavo Alonso bateu papo com o Clipestesia. Confira:

-Porque você decidiu escrever o livro?

A ideia  veio quando eu li o livro do Paulo César de Araújo, chamado “Eu não sou cachorro, não”, em 2004.  O livro de Paulo César quebrou uma série de mitos sobre a MPB ao mostrar que não foram apenas Chico Buarque, Gonzaguinha e Caetano Veloso que foram censurados, mas também os cantores “cafonas”.  Araújo mostrou que a censura também era moralista e puniu os “cafonas”, castrando suas obras em diversos momentos, assim como artistas da MPB.  Além disso, Araújo mostrou como em diversos momentos a MPB também apoiou a ditadura militar, fazendo músicas apologéticas e/ou afinadas ao regime ditatorial.   A partir desse momento comecei a reparar nas curtas referências a Simonal, que não davam a real dimensão de seu sucesso nos anos 60/70.  Somado a isso vinha a acusação de “dedo-duro”.  Resolvi então mergulhar na história da MPB, mas tentando compreender a exclusão de Simonal deste panteão.  Mas somente o apoio ao regime não explica o ostracismo social que sofreu, pois, como falei, vários artistas também cantaram a ditadura.  Resolvi então tentar resolver esse dilema e tentar entender a formação da MPB através deste “problema” chamado Wilson Simonal.

-O que você acha que o cantor Wilson Simonal acrescentou ao cenário musical brasileiro?

Mais do que acrescentar, acho que é útil pensar no que Simonal causou de ruptura no meio musical.  Ele começou Bossa Novista e depois popularizou, simplificou e massificou o som que vinha fazendo, incorporando valores estrangeiros e da cultura de massa.  Tornou-se o segundo artista mais popular da época, e causou ódios entre os puristas da MPB.  Sua postura de flertar com a cultura de massa no período da Pilantragem foi a principal causa do repúdio por grande parte do público universitário forjador da MPB.  Simonal fazia o caminho inverso da MPB, ou seja, buscava a comunicação com as massas enquanto os artistas como Chico Buarque, Elis Regina, Caetano Veloso e outros, apesar de suas diferenças, cada vez menos, e por motivos diversos, faziam menos canções para as massas,e mais para os próprios universitários e público de classe-média alta.  O discurso da resistência da música de protesto, ou a poética vanguardista tropicalista, ambos não atraíam as massas, que se sentiam muito mais identificadas a estética da Jovem Guarda e da Pilantragem.  A Pilantragem transformou Simonal “no cara que todo mundo queria ser” como disse o Jornal do Brasil em 1869. De forma que Simonal não foi uma soma. Esta idéia de vê-lo como soma busca mais uma pérola perdida na história da MPB… É uma visão memorialística que, penso, tem que ser problematizada. Mais interessante do que buscar um “museu de grandes novidades”, como diria o Cazuza, é entender e nos perguntar por que queremos um museu.  Simonal, assim como o tropicalismo, foi um anti-museu, alguém que não queria idolatrar a música de então, que queria transformá-la num caldeira, fundir vertentes, resignificar a música da Bossa, influenciar a cultura de massa.

-Porque você acha que Wilson Simonal sofreu uma repressão tão grande, já que ele foi apenas indiferente a Ditadura Militar?

Não diria que Simonal foi “indiferente”.  Pelo contrário. Eles sempre esteve atuando naquela época.  Ele nunca foi “sabonete”, mas estava sempre incomodando, sobretudo uma determinada esquerda universitária inventora da sigla MPB que queria folclorizar a música brasileira, “resgatar” as “raízes” da música brasileira, num movimento ingênuo de buscar no passado os valores que são legitimados no presente.   Depois da ditadura criou-se a idéia de que a sociedade resistiu a ditadura ou então que foi “indiferente” a ela.  Todos teriam vivido a ditadura como um “pesadelo”.  Ninguém teria apoiado o regime.  Penso que isso é um engano.  A sociedade esteve apoiando o regime, o que contraria grande parte dos livros publicados até hoje sobre a história da ditadura.  Mostro como e por que isso aconteceu no meu livro.  Alias mostro também como vários artistas da MPB flertaram com o regime: Elis Regina, Jair Rodrigues, Tonico e Tinoco, os tropicalistas, Originais do Samba, João Nogueira, Tom Jobim, Ivan Lins, Martinho da Vila, e até Chico Buarque, em determinado momento fizeram músicas que foram ouvidas, pela própria sociedade do milagre econômico, como favoráveis ao regime.  Simonal não foi diferente.  Ele caminhou na corda-bamba da indiferença e da adesão, ora se apoiando em um lado, ora em outro.  Cantou a alegria de se viver no “País Tropical”, música de Jorge Ben, em 1969, canção aliás que Simonal lançou e foi o mais famoso intérprete.  Cantou a idiferença ao regime em “Cada um cumpra com o seu dever”, canção de sua autoria.  Foi pro México durante a Copa de 70 e serviu como embaixador do Brasil.  Voltou e em 1971 gravou “Brasil, eu fico”, composição de Jorge Ben, resposta clara ao slogan “Brasil: ame-o ou deixe-o”.   De forma que ele não era apenas indiferente e, em alguns momentos, também flertou com o regime. A questão é que, não foi apenas Simonal que o fez.  Por que só ele ficou com a marca?  Tentei explicar no livro que sua trajetória foi especialmente desgraçada pois deveu-se a uma união trágica de diversos fatores: suas posturas ambíguas ou pró-regime, sua visão sobre a questão racial, o caso do espancamento do seu contador em 1971, o distanciamento da Bossa Nova, o flerte com a guitarra e com o som estrangeiro e, sobretudo, a popularização da Pilantragem nas massas, o que, especialmente este último, causou ódio entre os integrantes da MPB.  O ostracismo de Simonal não pode ser explicado apenas por questões “políticas”, e também ter que ser refletido esteticamente.  Seu expurgo deveu-se ao fato de Simonal cantar “outras palavras”, como diria Caetano Veloso, que não aquelas desejadas pelos forjadores da sigla MPB.

Para entender a dimensão do talento do cantor, no vídeo abaixo ele realiza uma apresentação em seu programa “Show em Si… monal” e canta a música “Meu limão, meu limoeiro” que compôs em parceria com Carlos Imperial.

Já no vídeo abaixo Simonal canta “Sá Marina” uma de suas músicas que entrariam para a história, mesmo que ele tenha sido reprimido pela ditadura:

Ah….não podemos esquecer….vai rolar uma promoção!! A Editora Record nos disponibilizou dois livros iguais ao da foto ali em cima,que podem ser seus. Para participar basta clicar neste link do Facebook e responder à seguinte pergunta : ” O que você faria se fosse acusado pela ditadura militar de dedo duro?’

O Clipestesia relembra com você os melhores clipes da carreira do cantor porto-riquenho Ricky Martin.

Vanessa Rocha (vanessa@clipestesia.com.br)

O cantor porto-riquenho Ricky Martin iniciou sua vida artística muito cedo. Após duas tentativas fracassadas, ele finalmente conseguiu tornar-se um integrante do grupo sensação da época: Menudo.

A boyand foi um fenômeno na América Latina, unindo milhões de adolescentes que formavam inúmeros  fãs-clubes. Podemos até afirmar que na década de 80 foi o grupo com maior visibilidade no Brasil.

Como esquecer o clássico Não se reprima, mesmo que aos nossos olhos de hoje, tanto o figurino quanto a coregrafia pareçam meio esquisitos demais, devemos ressaltar que eles foram precursores de grupos como Backstreet Boys e também do estilo das roupas da banda Restart. Também não podemos negar que eles ficaram marcados na história fonográfica pelo seu estilo digamos… incomum.

No ano de 1989, Ricky Martin decidiu estudar em Nova York, por isso se desligou do grupo. Depois foi para o México, onde atuou em musicais e isso o fez sentir saudades de sua carreira como cantor. Então, aos 19 anos, lançou seu primeiro CD solo Ricky Martin, no ano de 1991. O primeiro single do disco Fuego Contra Fuego ganhou um vídeo, porém o álbum recheado de baladas românticas não fez sucesso.

O reconhecimento como artista solo só viria mesmo no ano de 1996, quando o cantor lançou seu terceiro álbum A Medio Vivir, e estorou nos países latinos o single Maria, que foi  o tema de abertura da novela Salsa e Merengue, da rede Globo. A música fez tanto sucesso que o disco vendeu 600 mil cópias somente no Brasil. Até hoje muita gente associa o nome Ricky Martin a esse vídeo.

Ele passou então a ser um artista requisitado, inclusive para eventos importantes como a Copa do Mundo de 1998, onde foi o intérprete do tema oficial. La Copa de La Vida ganhou versões em outras línguas.

O videoclipe do  sucesso Livin’ la Vida Loca foi dirigido por Wayne Isham e foi sucesso mundial. O mesmo dirigiu outro sucesso do cantor, o clipe She Bangs, que virou até tema de comercial da loja de departamentos C&A devido ao seu sucesso.

Em 2010, Ricky Martin surpreendeu a muitos revelando ser homosexual e no mesmo ano lançou um livro autobiográfico chamado EU, que conta sua trajetória desde sua época de Menudo até sua carreira solo. Após as fofocas, lançou em 2011 um novo álbum chamado Música + Alma + Sexo, do qual o clipe Frío faz parte.

Recentemente anunciou que está gravando o clipe da música Samba, gravada com a cantora brasileira Cláudia Leitte. Só nos resta esperar.

Romain Gravas… Você pode não ter guardado esse nome, ainda. Mas os trabalhos desse novo diretor francês de videoclipes, de apenas 28 aninhos, estão dando o que falar. O videoclipe mais polêmico do ano foi dirigido por dele. Algum palpite?

Bianca Caetano (bianca@clipestesia.com.br)

Romain Gravas é francês, nasceu em 1981 e é diretor de filmes e videoclipes. Filho do lendário Constantinos Costa-Gravas, diretor grego, naturalizado francês, que ganhou notoriedade por seu cinema político e de denúncia que se iniciou na década de 60 e continua até hoje.

Cinema e política na árvore genealógica

Constantinos Costa-Gravas é responsável pelos filmes Desaparecidos, um Grande Mistério (1982) sobre a ditadura de Pinochet no Chile; Amém (2002) sobre a relação da Igreja Católica com o Nazismo entre outros filmes polêmicos. Mas foi o filme Z (1969) que denuncia a violência da ditadura na Grécia na década de 60, que lhe rendeu duas, dentre as cinco que concorria, estatuetas do Oscar. Seus trabalhos influenciaram diretamente seus filhos Julie Gravas e Romain Gravas, que seguiram os seus passos, tendo a política como tema principal em seus trabalhos cinematográficos.

Julie Gravas é diretora de cinema, sua estréia em longas-metragens aconteceu com A Culpa é do Fidel (2006). O filme mostra a efervecência política ocorrida no final da década de 60 e início da seguinte, tudo isso atráves do olhar de Ana, uma menina rica e mimada de 9 anos. Após a chegada de familiares fugidos da Espanha devido a ditadura de Franco sua família rever seu conceitos e muda suas atitudes. Ação que é mal-vista pela menina que tem a sua rotina modificada e passa a conviver com militantes políticos e reuniões clandestinas.

Com esse histórico familiar, Romain Gravas não poderia fugir muito dos temas que o acompanham desde criança. Mas além do cinema, Romain optou por se expressar politicamente através de outras linguagem audiovisual, os videoclipes.

Romain Gravas, o controverso diretor

Romain chamou atenção para seu trabalho com o polêmico e violento clipe da música Stress (2008) da dupla Justice, que foi proibido de ser veiculado em diversos países e meios de comunicação. No vídeo, a camêra acompanha um grupo de adolescentes negros na França que resolvem sair pela rua e começam a roubar e agredir as pessoas, aparentemente sem motivo. O grupo picha paredes, arranha carros, destrói bens alheios entre outras cenas que assistimos passivamente. Vale a pena assistir até o fim e ver como a história termina.

Tudo isso é mostrado num tom documental, é claro que existem os cortes rápidos dos videoclipes mas há uma cumplicidade e “acordo” entre o que está diante e atrás das câmeras que só um documentário proporciona. Essa é uma das característas que aparece nos demais trabalhos do jovem diretor.

Mais recentemente Romain voltou a ser o foco de atenção da mídia, o responsável por isso foi o clipe de Born Free (2010) da M.I.A. O vídeo mostra um grupo de policiais em uma perseguição a garotos  ruivos.

O conteúdo é bem explícito e exibe sem piedade cenas de grande violência. O clipe usa a perseguição aos ruivos para fazer uma alusão aos conflitos e a exterminação étnica que o governo norte-americano financia pelo mundo. O vídeo também foi retirado de vários sites e gerou um grande boca-a-boca a respeito de seu forte e questionável conteúdo. Assista e tire suas próprias conclusões.

ATENÇÃO: CONTEÚDO ADULTO

Mas além de Stress e Born Free que nos apresenta a um estilo “Gavras” de dirigir e chocar, seus outros clipes não exibem a violência em suas últimas consequêcias. O que há de comum em seu trabalho é a questão política.

O clipe de The Age Of The Understatement (2008), por exemplo, da dupla The Last Show Puppet, foi gravado numa base militar russa, exibe cenas de militares, tanques de guerra entre outras, reforçando a temática política de seu trabalho mas deixando a violência de fora.

Em 1995, Romain criou o coletivo Kourtrajmé em parceria com Kim Chapiron, filho do artista plástico francês Kiki Picasso. O trabalho de Gravas e do coletivo, que hoje reúne 135 artistas, está relacionado aos movimentos de contestação urbano, a cultura hip hop, ao grafitte e a todos que usam a sua arte urbana como ferramenta de crítica social. Dois de seus clipes estão fortemente inseridos nessa cultura: Changer le monde (2002), de Rocé e Pour ceux (2003) de Mafia k’1 Fry.

Segundo o próprio diretor, seus clipes pretendem traçar um perfil dos diversos tipos europeus como os jovens do subúrbio francês, o branco inglês excluído, os ciganos da Romênia entre outros. Essa espécie de mapeamento antropológico em seus clipes está representado em todos os seus vídeos mas é mais perceptível em: Signatune (2007) do DJ Mehdi e I Belive (2007) de Simian Mobile Disco.

O próximo trabalho de Romain poderá ser visto nas salas de cinema ainda este ano. Sua estréia na direção de um longa será em Notre Jour Viendra, que inicialmente se chamaria Redheads. O filme discute a questão da imigração, identidade e etnia através da história de um ruivo que em resposta a exclusão resolve criar um novo país. Seu único amigo é seu psiquiatra interpretado pelo ator Vicent Cassel, um dos integrantes do coletivo Kourtrajmé. Assista ao trailer aqui.

Sandy & Junior completariam 20 anos de carreira se estivessem juntos. Para comemorar a data o Clipestesia preparou a videografia da dupla que embalou 68 estações no Brasil.

Se você era criança nos anos 90 (e também se não era mais) deve lembrar-se do sucesso absoluto de Sandy & Junior. A dupla fez parte da infância e adolescência de muita gente. Não é exagero falar que eles foram um dos maiores sucessos da década de 90. Além da música, eles se arriscaram na televisão, no cinema e, claro, no videoclipe.

Vanessa Mello (vane@clipestesia.com.br) e Marcelo Mendonça

Tudo começou em 1989 quando Sandy e Junior cantaram Maria Chiquinha no programa Som Brasil. Essa foi a primeira apresentação dos dois irmãos. A partir daí tudo mudou…

Sandy & Junior assinaram um contrato com a Polygram, hoje Universal, e gravaram “Aniversário Do Tatu”, primeiro disco da dupla. Nenhum single deste álbum ganhou um videoclipe.

Em 1992, a famosa dupla de irmãos gravou o segundo disco “Sábado À Noite”. O álbum contou a participação de Chitãozinho & Xororó na faixa Vamos Construir. A dupla não parou mais depois do lançamento deste disco. A música Sábado À Noite ganhou um videoclipe gravado em Nashville, nos Estados Unidos. Tudo num clima bem sertanejo. Vale a pena relembrar.

Já no terceiro álbum “Tô Ligado Em Você”, Sandy & Junior começam a deixar as raízes sertanejas de lado e passaram a investir mais no pop. As músicas estouraram nas rádios, as fitas K7 e discos de vinil (sim, isso não são mídias pré-históricas!) não pararam de tocar nas casas de quem já era fã da dupla. Sucessos como Splish Splash, Tô Ligado Em Você fazem parte do terceiro disco.

A única música deste álbum que tem um clipe é Primeiro Amor. O vídeo tem um visual meio retrô com tom fofo e bem romântico. O estilo “Sandy & Junior” começava a se formar aí.
Sandy & Junior gravaram o quarto disco “Pra Dançar Com Você” em 1994, um ano depois do lançamento do terceiro álbum. A primeira faixa do disco, Com Você é uma versão da música I’’ll Be There de Michael Jackson. Além do sucesso do rei do pop, os irmãos gravaram canções da Jovem Guarda.

Apesar de “Pra Dançar Com Você” ter vendido um bom número de cópias, nenhuma música do álbum ganhou um videoclipe.

Em 1995, eles gravaram o quinto álbum “Você É Demais” que também não tem nenhum vídeo. A dupla lançou na época um VHS com a turnê “Sonho Real”. Os fãs ficaram loucos por poder assistir em casa o show da dupla que embalava os primeiros romances das crianças e adolescentes da época.

Os irmãos estavam crescendo, tentando deixar de lado o visual e o estilo infantil. Em 1996, eles lançaram “Dig Dig Joy”. Com esse disco, eles voltaram para o mundo dos videoclipes. O clipe de Não Ter foi gravado numa fazenda. O romantismo estava no ar. O vídeo tem um tom meio amador. Como se fosse gravado em casa.

Apesar de o romantismo ser o “carro-chefe” das músicas do álbum, outros tipos de canções também tiveram vez. No clipe da música Férias de Julho é possível ver uma dupla de atrapalhados que pega um avião errado e cai numa ilha onde todos bailavam.

Os dois álbuns seguintes, “Sonho Azul” e “Era Uma Vez”, apesar do sucesso com o público, não renderam nenhum clipe. Nem por isso a dupla ficou longe da produção videocliptica. Sandy foi escolhida por Andrea Bocceli para gravar Vivo por ella. O tenor italiano considerou a voz da cantora a mais bonita do Brasil. A parceria rendeu esse vídeo bem simples.

Em 1999, uma década depois do surgimento da dupla no cenário musical, Sandy e Junior gravaram “As Quatro Estações”. O álbum trazia canções escritas pela própria Sandy. Este CD foi muito importante para a carreira dos irmãos. A partir dele houve uma mudança significativa na maneira que os clipes eram feitos. Os vídeos ficaram muito mais profissionais e comerciais.

O clipe de Imortal reflete bem o amadurecimento de Sandy e Junior. Não só na idade, mas também na imagem e na estética do videoclipe. O vídeo mostra como a dupla estava mudando, deixando para trás o lado infantil que sempre esteve muito presente na carreira dos irmãos.

O mesmo álbum trouxe mais dois clipes importantes para a trajetória da dupla. Se você tem uma boa memória deve lembrar o quanto essas músicas estouraram nas rádios. As Quatro Estações e Aprender A Amar ganharam vídeos bem produzidos.

Em 1999, Sandy fez parceria com Enrique Iglesias. Na época, rolou um bafafá dizendo que o cantor estaria apaixonado pela Sandy. Mas, vamos deixar a fofoca de lado. Que não é esse o nosso foco. O que importa para gente é o videoclipe, né? Juntos, Sandy, Enrique Iglesias e Junior gravaram You’re My Number 1.

Em 2000, Sandy e Junior lançaram “Quatro Estações – O Show”, décimo disco da dupla. Nesse álbum havia poucas canções inéditas. Uma delas era a regravação Enrosca, música de Fábio Jr. O clipe de foi um divisor de águas para os irmãos. Era a segunda vez que Junior ganhava destaque num videoclipe. Dirigido por Hugo Prata, o clipe tem um cenário meio futurista colocando Junior como protagonista.
Esse clipe lembra muito o vídeo da música Scream de Michael Jackson com sua irmã Janet. O clipe concorreu em cinco categorias no VMB de 2001.

Em 2002, com o objetivo de expandir os ares, a dupla lançou um CD com músicas em inglês. Era o início de uma rápida carreira internacional. Apesar da fugacidade, Sandy & Junior gravaram o clipe de Love Never Fails. O vídeo tem um tom bem pop, com direito a coreografias, dançarinos no alto de um prédio. O clipe deixa clara a mudança ocorrida ao longo dos anos. O visual sertanejo já faz parte daquilo que a dupla poderia chamar de “o passado que condena”.

Em 2003, a dupla lançou “Identidade” que mostrava uma mudança significativa no estilo musical. Os irmãos já estavam crescidinhos e queriam mostrar o amadurecimento. Três músicas do disco ganharam videoclipe: Desperdiçou, Encanto e Nada Vai Me Sufocar.

Em 2006, a dupla lançou “Sandy & Junior 2006”. O maior destaque desse álbum foi a canção Estranho Jeito de Amar que ganhou um clipe singular para a trajetória da dupla (que já estava quase acabando depois de tantos rumores de separação). O clipe da música foi dirigido por Fernando Andrade e pelo próprio Junior. Com uma longa narrativa, um pouco atípica para a linguagem de videoclipe, o vídeo tem cerca de dez minutos.

O vídeo foi lançado primeiro na internet. Um fato inovador para a dupla que é da época do VHS. O clipe apresenta algumas referências ao filme “Tudo Sobre Minha Mãe” do Pedro Almodóvar. Sem dúvidas, é o clipe mais inovador dos irmãos.

Em 2007, a dupla anunciou que gravaria o último álbum como dupla, o “Acústico MTV”. A separação tão especulada ao longo da carreira foi confirmada e aconteceu no final desse mesmo ano.

Ao todo foram 17 anos de carreira. 16 álbuns lançados. 20 discos de ouro e cerca de 60 indicações a prêmios musicais. Os números grandes refletem o tamanho da carreira e da importância que, apesar de muitos não concordarem, Sandy & Junior tiveram no cenário musical de duas décadas.

Os fãs deveriam agradecer a existência dos videoclipes. Que misturam a música, a imagem e… A saudade.

Aos 29 anos e com 17 de carreira, Justin Timberlake tem uma das carreiras mais bem sucedidas do mundo da música. E no mundo do videoclipe, então, nem se fala. Confira nesta matéria especial a videografia desse astro pop que tem em gente como Micheal Jackson sua fonte de inspiração.

Patrícia Angélica (paty@clipestesia.com.br )

Justin Randall Timberlake nasceu dia 31 de janeiro de 1981, na cidade de Memphis, no Tennessee. Aos 12 anos mudou-se para Orlando, para participar do Clube do Mickey.

No MMC, conheceu seu futuro colega de boyband: JC Chasez.

Aos 15 anos começou o *NSYNC. No grupo ele participou de um total de 15 clipes. O destaque de Justin no grupo era claro desde o início. Mesmo sendo o caçula, roubava a cena cantando e dançando como poucos. Acompanhe abaixo:

I Want You Back (Versão Europeia)
Here We Go
Tearin’ Up My Heart
For The Girl Who Has Everything
I Drive Myself Crazy
You Drive Me Crazy
Merry Christmas, Happy Hollidays
Bye Bye Bye
It’s Gonna Be Me
This I Promise You
Pop
Gone
Girlfriend
Girlfriend (Remix)[com Nelly]

Timberlake decidiu se desligar do *NSYNC em 2002. Em 2003 lançou o álbum “Justified”, o primeiro de sua carreira solo.

Não foi nada fácil desvencilhar-se da imagem do grupo. Mas logo em seu primeiro CD, Justin mostrou que tem talento e brilho suficientes para ter seu próprio público. Deste álbum saíram quatro vídeos. Veja:

Primeira apresentação solo em público de Justin Timberlake, no VMA de 2002.

Like I Love You
Cry Me A River
Rock Your Body
Señorita

Em 2006, foi lançado seu segundo álbum. “FutureSex/LoveSounds” prometeu inovar e levou à consagração o Mr. SexyBack (como ficou conhecido graças a primeira música de trabalho do CD).

Clipes marcados por um estilo de vestir e agir que se tornaram característica de Timberlake e passaram a ser copiados por diversos artistas. Esse disco quase quebrou o recorde maior número de clipes de um mesmo álbum, com seis vídeos. O recorde é de Michael Jackson, com sete. Assista:

Abertura do VMA 2006. Depois disso, todos que subiam falavam: “I’m bringin’ sexyback”

SexyBack
My Love
What Goes Around …Comes Around
LoveStoned
Summer Love(Ao Vivo)
Until The End Of Time(Ao Vivo)

Além desses clipes da própria carreira, Justin tem participações no Saturday Night Live (Dick In A Box e Jizz In My Pants), que parecem clipes de verdade e que brincam com clipes (Single Ladies, com a participação de Beyoncé). A participação num clipe de Elton John no qual Timberlake o interpreta: This Train Don’t Stop There Anymore. Além de participações em músicas de diversos artistas que ele produziu. Confira:

Justin e Kylie Minogue se apresentando junto no Brit Awards de 2003

4 Minutes (Madonna)
Ayo Technology (50 Cent e Timbaland)
Rehab (Rihanna)
Love Sex Magic (Ciara)
Dead And Gone (T.I.)

Como deu pra notar, Justin tem quase 40 clipes em menos de 20 anos de carreira. Isso sem contar tudo aquilo que ele vem fazendo fora da música: filmes, licenciamentos de produtos com seu nome etc.

Às vésperas de seu 29º aniversário ainda foi divulgado como o Homem do Ano nas artes em 2009, pela Pudding Theatricals, da Universidade Harvard. Isso porque foi considerado que sua contribuição para o mundo do entretenimento é duradoura e impressionante.

Já em 2004 ele era considerado o novo Rei do Pop. Com a morte de Michael Jackson isso vem se confirmando. É esperar o próximo CD que deve sair ainda esse ano, ou ano que vem e ver como será.

Alguém duvida dele depois de trilhar por caminhos de boy band e brilhar muito sozinho?

Com um currículo invejável em videoclipes, publicidade e cinema, o brasiliense Breno Silveira é um dos mais influentes diretores brasileiros – principalmente no campo do videoclipe.

Patrícia Angélica (paty@clipestesia.com.br)

Brasiliense de 45 anos, Breno Silveira faz parte da produtora Conspiração Filmes, umas das maiores e mais importantes de país.

Tem um vasto currículo cinematográfico que se inicia em 1995, ainda não como diretor, com o filme “Carlota Joaquina”. E um de seus últimos filmes foi “Dois Filhos De Francisco”, estreando como diretor de longa metragem.

Já fez documentários sobre futebol na época da Copa do Mundo de 2006 e já foi premiado com seus diversos filmes publicitários.

O trabalho videoclíptico de Breno Silveira passa por grandes ídolos da MPB: Marisa Monte, Os Paralamas Do Sucesso, O Rappa, entre outros.

Alguns dos principais videoclipes dirigidos por Breno Silveira:

Marisa Monte, Amor I Love You (Breno Silveira e Lula Buarque de Hollanda)

Os Paralamas Do Sucesso, Busca Vida (Breno Silveira e Andrucha Waddington)

Os Paralamas Do Sucesso, Ela Disse Adeus (Breno Silveira, Andrucha Waddington e Toni Vanzolini)
Os Paralamas Do Sucesso, Lourinha Bombril (Breno Silveira, Andrucha Waddington e Toni Vanzolini)

O Rappa, Minha Alma (Breno Silveira)

Com uma carreira consolidada, Breno já recebeu seis prêmios no VMB – Video Music Brasil, da MTV. Sua estética é centrada, na maioria das vezes, no uso do preto e branco e algumas vezes em uma ambientação retrô.

Como criatividade é o que não falta a esse excelente diretor, esperemos pelas suas próximas obras! Sejam elas publicitárias, cinematográficas ou videoclípticas!